Renée Mayot, le talent en relief

Elle fabrique des objets qui tiennent dans la main, qui ont du relief, qu’on a envie de toucher, de caresser. Elle pense que seuls les objets fabriqués à la main, et non par des machines, peuvent transmettre une émotion, une sensualité, une humanité. Elle aime cet art qui lui a permis à la fois d’exprimer sa sensibilité et d’aller à la rencontre du monde, d’explorer des univers. Profession : graveuse et médailleuse, pour la Monnaie de Paris.

Une disposition à l’émerveillement

Aujourd’hui, qu’elle se promène dans son village natal d’Avançon, où elle a un atelier, ou à Paris, où elle en a un second, Renée Mayot ne peut pas passer à côté de la beauté sans s’arrêter. Qu’elle soit l’œuvre de la nature ou de la main de l’homme, l’harmonie d’un parterre de fleurs ou d’un tapis de feuilles la ravit autant que L’Ange au Sourire ornant une façade de la cathédrale de Reims, ou une exposition Jacques Louis-David au Louvre. Chez elle, l’émerveillement ne s’use pas. Cela ne s’explique pas, c’est une sensibilité, une vocation, qui lui a permis de s’accomplir dans une carrière artistique.
Née en 1947 dans les Ardennes, au nord-est de Reims, Renée Mayot a grandi dans une famille de cultivateurs. Dans son village rural d’Avançon se trouve l’église Saint-Rémi, érigée aux XIIᵉ-XIIIᵉ siècles. Ce remarquable édifice de style gothique, classé Monument historique en 1942, a profondément marqué son imaginaire lorsqu’enfant, pénétrant dans sa nef, elle était invitée, par la beauté de sa voûte croisée d’ogives, à lever les yeux. Là, les vitraux réalisés par le maître-verrier de la cathédrale de Reims, Jacques Simon, captivaient son attention. Réalisés après la Seconde Guerre mondiale, dans le chœur et les transepts, ils racontent la bataille de 1940, des scènes de la vie de saint Rémi et plusieurs épisodes évangéliques. Soit des histoires narrées à travers un art qui est aussi un artisanat.

De sculptrice à médailleuse

Encore enfant, elle découvre le portail de la cathédrale de Reims et tous ses ornements « et là, je me souviens avoir dit que plus tard, je voulais faire de la sculpture comme ça. » (1) À seize ans, la voilà admise à l’École des Beaux-Arts de Reims, où elle va passer trois années capitales. Dessin, modelage, peinture, gravure, architecture, anatomie, publicité, étude documentaire, histoire de l’art… La formation est complète. À cette époque, elle ne connaît rien encore à l’art de la médaille, elle veut devenir sculptrice alors cap à l’Est, l’École des Arts décoratifs de Strasbourg, où elle se spécialise en sculpture et dont elle ressort un an plus tard, diplômée dans cet art. Puis la voilà à Paris, où elle intègre l’École nationale supérieure des Beaux-Arts. Elle a vingt ans, on est alors en 1967 et elle est admise dans l’atelier de Raymond Corbin, professeur de gravure en médailles. Alors qu’elle se destine toujours à la sculpture, elle découvre progressivement l’art minutieux de la médaille : sur une toute petite surface, « il faut allier le sens du dessin, de la composition, il faut modeler, graver, tenir compte des nombreuses contraintes techniques liées à la frappe, et inscrire sa propre écriture, sa propre personnalité. » (2) Comment résister à un art qui exige à égalité la précision technique et l’expression intime qui convient si bien à cette contemplatrice inspirée par les œuvres du passé ?
En 1970, quand elle sort de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts avec un diplôme de gravure en médaille, elle bénéficie d’une tradition vertueuse : le directeur de l’Institution reçoit chaque élève diplômé et lui passe commande d’une médaille. Elle en réalise une à l’effigie de Robert le Pieux. C’est le début d’une collaboration fructueuse qui durera tout au long de sa carrière. Le Quai de Conti lui commande des « éditions particulières » : des médailles pour des professionnels ou des particuliers, destinées à commémorer un événement, célébrer un anniversaire, une personnalité ou une institution. Elle trouve là son accomplissement, puisqu’elle doit à chaque fois être à l’écoute du client, entrer dans son univers pour comprendre ce qu’il attend, étudier le sujet pour trouver une façon de le représenter, et enfin transformer les idées partagées en cette forme ronde en bronze, au modelé si contrasté qu’il donne envie de la manipuler, de passer ses doigts sur ses reliefs. Car Dieu sait qu’il y en a, des reliefs, sur les médailles de Renée Mayot ! Ce qui en fait de vraies petites sculptures de poche.
Pour la ville de Poitiers, elle compose une évocation par fragments architecturaux et historiques. Une grande diagonale traverse la médaille du coin supérieur gauche vers le coin inférieur droit. Cette ligne structure toute l’œuvre et crée une tension entre la partie supérieure, représentant le contemporain avec la sphère du Futuroscope sur un fond épuré, et la partie inférieure, beaucoup plus riche en détails sculptés. Ces derniers évoquent à la fois les fondations très anciennes de la cité et l’influence de l’art roman. La composition fait penser à certains procédés du cubisme ou du collage.
Très différente est la médaille créée pour le CNASEA, le Centre national pour l’aménagement des structures des exploitations agricoles, établissement public créé au milieu des années 1960 pour mettre en œuvre la modernisation de l’agriculture française. Là où la médaille poitevine assemblait des fragments d’histoire et d’architecture, celle du CNASEA fait dialoguer la géométrie avec la figure humaine. La composition est dominée par un grand réseau de lignes horizontales, verticales et diagonales qui quadrillent toute la surface. Au centre droit s’ouvre une sorte de fenêtre rectangulaire en creux dans laquelle apparaît un visage modelé avec douceur. Renée Mayot oppose ainsi la mesure et l’humain, la structure et la personne, l’administration et le bénéficiaire. Un tel talent ne passe évidemment pas inaperçu. Elle reçoit le Prix de la Jeune sculpture au Salon des Artistes Français, le Prix de dessin David Weill, puis, en 1983, le Prix Georges Wildenstein, qui lui ouvre pour deux ans les portes de la Casa Velásquez à Madrid.

Transfigurer les mythes

À la fin des années 1980, répondant à son seul désir de célébrer de grandes figures féminines de la mythologie et de l’Antiquité, Renée Mayot conçoit une tétralogie dédiée à des personnages à la fois fascinants et tragiques : Salomé, Hélène de Troie, Cléopâtre et Médée. Là encore, la richesse de son inspiration et la diversité de ses réalisations éblouissent, de la surface douce du visage de Cléopâtre qui n’émerge pas du bronze mais qui EST le bronze, tant il occupe toute la surface, au visage fracturé de Médée, dont nous ne voyons qu’une moitié parce qu’une faille verticale le sépare, en son milieu, d’une surface vide à droite, sur laquelle apparaissent les mots d’Euripide : « Même si tu les tues, ils n’en restent pas moins tes enfants. »
Cette série inspire au directeur de la Monnaie de Paris une nouvelle commande : des médailles-calendriers sur le thème de la princesse Europe et du continent du même nom. C’est l’acmé de sa carrière. Sur ces médailles, le travail de Renée Mayot se distingue par des hauts-reliefs particulièrement puissants. En faisant émerger des figures de la surface, elle adopte une approche résolument sculpturale de la médaille. Ses personnages semblent presque se détacher du fond, tandis que le bronze capte la lumière, qui glisse sur les volumes, creuse les ombres et anime les compositions. De son propre aveu, les médailles de 1999 et 2001 sont celles qui présentent le relief le plus marqué.
Des vitraux de l’église d’Avançon aux bronzes de la Monnaie de Paris, le fil est resté le même : celui de l’exaltation du beau. Car Renée Mayot fait bien plus que façonner des médailles. Elle donne du relief à la mémoire, aux mythes et à l’histoire, transformant chaque disque de bronze en une sculpture que l’on tient dans la main et que l’on a irrésistiblement envie de toucher.